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Aleah: My Will

Sat, 27 Jun 2020 17:44:58 +0200

Nachdenkliches und sanftes Lied der verstorbenen Sängerin von Trees Of Eternity - mit deutscher Übersetzung

Wer sich ein wenig im Bereich des Dark- und Death-Metal auskennt, dem wird wahrscheinlich der Name Aleah ein Begriff sein. Wem der Name nichts sagt, hier in aller Kürze ein wenig Hintergrundwissen zu Aleah selbst und ihrem Song "My Will":
Die aus Südafrika stammende Aleah (Liane Stanbridge) lebte in Schweden und veröffentlichte 2007 ein Dark-Folk/Gothic-Rock-Demo mit dem Titel "Demo Master". Sie wirkte später als Gastsängerin unter anderem auf den Alben der finnischen Metalbands Swallow the Sun und Amorphis mit. Während Studioaufnamen entstand dann die Idee von "Trees of Eternity" als Gothic- & Doom-Projekt von Aleah und dem "Swallow the Sun"-Gitarristen Juha Raivio. Doch noch bevor deren Debut-Album "Hour of the Nightingale" veröffentlicht werden konnte, starb Aleah am 18. April 2016 im Alter von nur 39 Jahren an Krebs. Das Album wurde dennoch im November 2016 veröffentlicht.
Juha, der auch Aleahs Lebensgefährte war, hat die Songs ihres oben erwähnten Demos neu aufgelegt (darunter auch "My Will") und zusammen mit bisher unveröffentlichten Songs zu einem Doppelalbum namens "Aleah" zusammengestellt - Aleahs erstes Solo-Album, von dem sie laut Juha immer geträumt hat.

Dieses Hintergrundwissen hatte ich noch nicht, als ich "My Will" zum ersten Mal hörte, denn Dark- oder Gothic-Metal gehören nicht zu meinen absoluten Lieblingsgenres. Das gute Stück lief in einer zufälligen Auswahl an Neuveröffentlichungen erst letzten Montag und ich horchte augenblicklich auf, als mich die Seele dieses wunderschönen Songs erreichte - die Seele von Aleah, getragen von einer zauberhaften Melodie. Ich spürte, dass dieses Lied etwas Besonderes ist und für mich stand sofort fest, dass ich darüber schreiben muss.
Wenn man Aleahs Gesang kennt, identifiziert man ihre Stimme nicht auf Anhieb, denn sie singt sehr zart und sanft, fast flüsternd und mit einer feenhaften Traurigkeit. Die neue Version von "My Will" ist weit entfernt von Gothic oder Doom-Metal, sie ist dezent synthesizerlastig und daher vielmehr im Pop- und Ambientbereich angesiedelt; die ursprüngliche Demo-Version hat sogar nur eine Akustik-Gitarre und einen Hauch von Synthies als instrumentale Unterstützung. Beide Versionen haben ihren Charme - ich tendiere jedoch mehr zur Akustik-Version, denn hier liegt der Fokus noch mehr auf Aleahs Stimme.
Das Lied kommt von der ersten bis zur letzten Sekunde sehr friedlich daher, der Songtext hat jedoch eine starke Botschaft:

Suche mein Herz
Suche nach meiner Seele
Finde meine Wahrheit
Denn du weißt, wer ich bin
und wo ich hin will
Mein Ziel ist letztlich dein Ziel
Führe mich nach Hause,
wo ich meinen eigenen Thron kenne
und mein Wille mein eigener ist

Befreie mein Herz
Befreie meine Seele
Ich sehe die Wahrheit selber
Ich bin nicht dein Besitz
und mein Ziel ist letztlich mein eigenes
Führe mich nach Hause
Freier Wille, was ist er wirklich?
Ist es dein Wille oder ist es meiner?
Mein Wille, was ist aus ihm geworden?
Meine Schlussfolgerung, oder ist es deine?
Dein Wille, gibt es einen Unterschied zu meinem?

Aleah (aus dem Englischen übersetzt von muenic)

"My Will" wurde am 18. April (Aleahs Todestag) diesen Jahres als Single veröffentlich, das Album Aleah erscheint am 1. Juli (Aleahs Geburtstag). Es zeugt von wahrer Liebe, dass Juha seiner Aleah posthum ihren Traum erfüllt und ihre schöne Stimme weiterleben lässt.
Im Rahmen einer Musikvideoveröffentlichung hat Juha unter anderem Folgendes geschrieben:

Ich habe noch nie eine Person und eine Musikerin getroffen, die mehr mit dem Kern des absoluten Gefühls und der Seele jeder Note und jedes Wortes, das sie schrieb oder sang, verbunden war. Sie wollte, dass ihre Musik und ihre Texte zu 110% ehrlich und wahrheitsgetreu sind; nichts anderes war ihr lieber. Musik war ihre Religion und Leidenschaft, ein Tor zu ihrer Seele und darüber hinaus. Es wird nie wieder eine andere Songwriterin oder eine Stimme wie die ihre geben, die den Tag in die dunkelste Nacht oder die Dunkelheit mit nur einem Wort oder einem Flüstern in blendendes Licht verwandeln kann.

Juha Raivio (aus dem Englischen übersetzt von muenic)

Bis auf die Tatsache, dass diese Beschreibung meiner Meinung nach auch auf ein paar wenige andere Musikerinnen zutrifft, ist dem nichts hinzuzufügen.

Weblinks

Michael Patrick Kelly: Knocking On Heaven’s Door (Lockdown Konzert)

Mon, 22 Jun 2020 06:48:02 +0200

Atemberaubendes Mini-Konzert im (und auf dem) Kölner Dom während des Lockdowns

Wenn meine älteren Leser an die "Kelly Family" denken, wird wohl manch einer mit den Augen rollen und die jüngeren werden Fragezeichen in den Augen haben. Auf die Geschichte dieser Familie gehe ich aus mehreren Gründen nicht näher ein, bei Interesse einfach den Wikipedia-Artikel lesen.
Michael Patrick (Paddy) Kelly ist der zehnte Spross der irisch-amerikanischen Großfamilie und macht seit einigen Jahren seine eigene Musik. Anfang diesen Monats bin ich durch Zufall über sein "Lockdown-Konzert" gestolpert, dass an Ostern aufgenommen wurde und am 30. Mai auf Youtube erschien. Ich bin und war kein Fan der Kelly Family und die diversen Solo-Karrieren der einzelnen Mitglieder habe ich überhaupt nicht auf dem Schirm aber was Michael hier auf die Beine gestellt hat, ist einfach klasse! Sein kleines, 30-minütiges Konzert fand nämlich im Kölner Dom statt. Ohne Zuschauer! Ich gebe unumwunden zu: ich war auf Anhieb begeistert, sowohl von der Stimme des Vollblutmusikers als auch von der Location - ok, als Kölnerin war ich bei Letzterem vorbelastet. Im Dom zu Köln mit seiner einzigartigen Akustik klingt wahrscheinlich auch das Piepsen einer Maus gut aber Michael hat sein einzigartiges Konzert audiovisuell perfektioniert, denn jedes seiner 8 Lieder kommt einfach sehr gut rüber.
Michael ist sehr gläubig, denn er hat sechs Jahre in einem katholischen Kloster im Norden Frankreichs gelebt und in vollkommener Abgeschiedenheit zu sich und seinem Glauben Verbindung aufgenommen. Daher sind einige seiner Songs sowie seine kurzen Zwischendialoge religiös angehaucht aber auch als Atheist kann man seiner tiefgründigen Nachdenklichkeit etwas abgewinnen, denn es geht auch um Frieden, Menschlichkeit und um Depressionen, unter denen Michael litt.
Im Folgenden gehe ich kurz in chronologischer Reihenfolge auf die einzelnen Songs ein, denn einfach nur aufzählen kann jeder:

00:00 Prolog *
00:54 Knocking on Heaven's Door
Ursprünglich von Bob Dylan, mittlerweile zigfach gecovert. Am bekanntesten dürften den nicht mehr ganz so jungen Musikfans die Versionen von Eric Clapton und von Guns N’ Roses sein. Michael spielt ihn recht langsam, nur mit einer Gitarre und mit Leidenschaft.
03:30 Out Of Touch 2020 (mit MoTrip)
Der Song ist im Ursprung schon 5 Jahre alt, denn er erschien auf Michaels Album Human. Die Neuaufnahme mit dem Zusatz "2020" feat. MoTrip gibt es auch zu kaufen, das offzielle Musikvideo ist sogar der Mitschnitt vom Konzert. Rap ist immer noch nicht mein Ding aber Text und Refrain sind klasse; ein sehr eingängiger Song, der zwangsläufig im Ohr hängen bleibt. MoTrip rapt im Vierungsturm des Kölner Doms und die Aussenaufnahmen wurden mit einer Drohne gemacht. Hervorragende Bilder!
06:44 Higher Love
Dieser Song stammt von seinem Album iD, welches 2017 erschien. Hier wird Michaels klarer Gesang nur von seinem Klavierspiel und einem Hauch von Synthies begleitet - direkt vor dem dezent beleuchteten Dreikönigenschrein. Fantastisch!
08:30 Dialog I *
10:12 Salve Regina (mit Jennifer Haben)
Spätestens jetzt wird es richtig kirchlich, denn seit dem 11. Jahrhundert lässt sich die lateinischsprachige, marianische Antiphon "Salve Regina" als liturgischer Gesang in Klöstern nachweisen. Es passt jedoch perfekt in die Domumgebung und als Duett ist es nochmal doppelt so schön (auf seinem Album Ruah singt er es jedoch alleine). Auch Jennifer Haben singt im Vierungsturm, allerdings in der späten Dämmerung.
14:24 Motherless Child
"Motherless Child" (oder auch "Sometimes I Feel Like a Motherless Child") ist ein traditionelles African-American Spiritual und geht auf die Ära der Sklaverei in den Vereinigten Staaten zurück. Eine frühe Aufführung des Liedes fand in den 1870er Jahren durch die Fisk Jubilee Singers statt. Es war während der Bürgerrechtsbewegung in den Vereinigten Staaten allgemein zu hören, hat viele Variationen und wurde vielfach aufgenommen.
16:55 Seinn Aililiú
Und noch ein Kirchenlied: das traditionell-irische "Sing Hallejulia" wird von Michael nur mit drei gleichbleibenden Orgeltönen unterlegt und er singt es auf gälisch vor dem Richter-Fenster. Dieses Stück ist mein heimlicher Favorit (das mag daran liegen, dass ich ein Fan der gälischen Sprache bin). Die Studio-Version auf seinem Album Ruah ist deutlich länger und es wirken mehr Instrumente sowie ein Kirchenchor mit.
19:01 PeaceBell
Kein Song, nur (Polizei-)Sirenen, Nachrichtensprecher und: ein Glockenschlag. Michael ist nicht nur Musiker, sondern auch Künstler und Friedensaktivist. Gemeinsam mit seinem Förderer Dirk Geuer sammelte Michael Waffen unter anderem aus der Region um Verdun in Frankreich, wo im ersten Weltkrieg eine der grausamsten Schlachten stattgefunden hat. In einer über 300 Jahre alten Glockengießerei in der Glockenstadt Gescher wurde aus dem Kriegsmaterial die #PeaceBell geschmiedet. Der Klöppel, der den Ton in der Glocke läutet, ist ein ehemaliges G3-Gewehr. Das Äußere der Glocke hat Michael selbst gestaltet, zum Beispiel mit dem 5. Gebot "You shall not kill" oder dem biblischen Schriftzug: "Sie werden ihre Schwerter zu Pflugscharen umschmieden...und sie erlernen nicht mehr den Krieg".
20:11 Last Words
Ein blues-gospeliger, leidenschaftlich vorgetragener Song, der als Studio-Version auf dem Album iD zu finden ist - hier verarbeitet Michael mit kraftvoller Stimme ausschließlich die letzten Worte berühmter Persönlichkeiten (von Marie-Antoinette über James Dean bis Steve Jobs) und behandelt somit auch ein Thema, das in der heutigen Zeit gerne ausgeblendet bleibt.
24:48 Dialog II *
25:39 Hope
Dieser Song dreht sich um eine tragische Zeit im Leben des Michael Patrick Kelly, der mit Anfang 20 unter einer Depression litt und sich das Leben nehmen wollte. Klare Botschaft des Songs: es gibt immer Hoffnung, für alle und überall!

Die Texte des Prologs und der Dialoge sind auf deutsch in der Videobeschreibung auf Youtube nachzulesen. Aus Copyright-Gründen zitiere ich sie hier nicht komplett (und teilweise macht es keinen Sinn).

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Irish Women In Harmony: Dreams

Fri, 19 Jun 2020 02:18:35 +0200

Eine aussergewöhnliche Coverversion für einen guten Zweck in Irland

1994 hatte die irische Band "The Cranberries" die Single "Dreams" veröffentlicht, die in Deutschland wahrscheinlich nicht allgemein bekannt ist, da sie nicht in den deutschen Charts landete. Gestern hatte eine ganz besondere Coverversion dieses Songs auf Youtube Premiere: mehr als 40 irische Musikerinnen* haben "Dreams" neu vertont und - wie ich finde - sogar ziemlich gut. Grund für diese aussergewöhnliche Aufnahme ist eine Spendenaktion für die Opfer häuslicher Gewalt in Irland, die - wie in Deutschland auch - während der Corona-Krise zugenommen hat. Die talentierten irischen Künstlerinnen möchten denjenigen, die mit häuslicher Gewalt leben, eine starke Botschaft übermitteln: sie sind nicht allein. Alle Gelder, die durch diese schöne Aufnahme gesammelt werden, gehen an den Safe Ireland Covid-19 Emergency Fund und werden für die Bedürfnisse von Frauen und Kindern verwendet, die vor häuslicher Gewalt und Missbrauch fliehen müssen.
Wäre auch eine prima Idee für Deutschland, Europa oder gar weltweit.

* Zu hören sind:

Ailbhe Reddy
Aimée
Áine Cahill
Allie Sherlock
Caroline Corr (The Corrs)
Elaine Mai
Emma Langford
Erica Cody
Eve Belle
Faye O'Rourke (Little Green Cars)
Fia Moon
Imelda May
Laoise
Lilla Vargen
Lisa Hannigan
Loah
Lyra
Melina Malone
Moya Brennan (Clannad)
Niamh Farrell (Ham Sandwich)
Orla Gartland
Pillow Queens
Roe,
Róisín O
RuthAnne
Saint Sister
Sibéal
Soulé
Stephanie Rainey
Tolü Makay
Una Healy (The Saturdays)

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SafeIreland.ie

Dirk Maassen: Allewind

Sun, 14 Jun 2020 15:44:44 +0200

Experimentierfreudiger und sphärischer Mix aus Klavier, Gitarre und Streichorchester

Die Stammleser von muenic.de kennen bereits Dirk Maassen, dem inzwischen sehr erfolgreichen "Freizeit"-Pianisten (sein Hauptberuf ist Software-Entwickler) im Bereich Neoklassik bzw. Solo-Piano. Denn ich habe vor vier Monaten sein herzergreifend schönes Klavier- und Steichorchesterstück Avalanche vorgestellt. Auf dem gleichnamigen Album finden sich noch weitere Perlen wie das mediteran angehauchte "Allewind", das laut Dirk Maassen der Schönheit unseres Planeten gewidmet ist. Wie schon beim Titellied wird er bei diesem Stück vom Filmorchester Babelsberg begleitet, das von Lorenz Dangel (2012 Deutscher Filmpreisträger für die beste Filmmusik) geleitet wird. Für das Orchesterarrangement war diesmal der Komponist Max Knoth verantwortlich und der Komponist & Produzent Dirk Mallwitz steuerte Gitarre, Syntheziser und Percussion bei.
"Allewind" beginnt zunächst ähnlich zögerlich und mäandernd wie "Avalanche"; auch hier ahnt man nicht, was noch auf einen zukommt. Nach fast einer Minute setzt das fado-ähnliche, beruhigende Gitarrenspiel von Dirk Mallwitz ein, das einen spätestens jetzt mit einer traumhaft schönen Meldoie in eine andere Welt abtauchen lässt. Nach einer kleinen Weile gesellen sich sehr dezent Percussion und Syntheziser hinzu und das Streichorchester generiert eine leicht sphärische Stimmung, die von einem kurzen, gut gelaunten Höhenflug aller Instrumente abgelöst wird. Abschließend legt Dirk Maassen ein hervorragendes, zweiminütiges Klaviersolo auf die Tasten, das ein wenig dem Anfang von "Allewind" ähnelt und mich an perlenden Regen erinnert. Die Experimentierfreudigkeit bei diesem Stück zahlt sich mehr als aus, nicht zuletzt über eine halbe Million Aufrufe bei einem nicht näher benannten Streamingdienst beweisen dies.
Seine musikalischen Wurzeln sieht Maassen übrigens laut eigener Aussage nicht in der Klassik, sondern in der Popmusik. Vielleicht erklärt das ja die zarte Leichtigkeit, mit der er spielt.

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Oh Hiroshima: A Handful Of Dust

Sat, 13 Jun 2020 21:09:46 +0200

Atmosphärisches und textarmes Postrock-Meiterwerk des sehr talentierten Trios aus Schweden

Manchmal bin ich dem Algorithmus eines nicht näher benannten Streamingdienstes mehr als dankbar, dass er mir die ein oder andere musikalische Perle ins Ohr legt. So geschehen mit "A Handful of Dust" des schwedischen Postrock-Trios Oh Hiroshima, das zwar im Juli 2019 nach 12 Jahren Bandgeschichte sein drittes Album "Oscillation" veröffentlicht hat aber allgemein nocht recht unbekannt ist. Oh Hiroshima läßt mich wie Airbag für einen Moment bereuen, dass das Konzept meines Blogs aus Song-Reviews und nicht aus Album-Rezensionen besteht. Denn es gibt einfach keinen Song auf der von Magnus Lindberg (Cult Of Luna) gemasterten Platte, der sich entweder totgehört hat oder des Anhörens nicht unbedingt wert ist und ich tat mich sehr schwer, ein Lied für den Blog auszuwählen.
Die Wahl fiel nach wochenlangem Rauf- und Runterhören aller OH-Songs letztlich doch auf das Lied, was ich als erstes zu hören bekam. Denn hier kommt das ganze Können und Klangspektrum der Band mit voller Intensität zum Vorschein und der Hörer wird in gut 8 Minuten auf eine kurzweilige Klangreise geführt, die keine Wünsche offen lässt. Der ruhig-verträumten Keyboard-Einleitung folgen Schlagzeug, Gitarren und zurückhaltender Gesang - die Songstruktur entwickelt sich stetig in einen atmosphärischen aber dennoch gitarrenlastigen Klangteppich. Nach einer spannungsaufbauenden und rhythmischen Schlagzeug- und Gitarrenpause entfaltet sich Stück für Stück eine hohe Klangdichte sowie eine melodisch-rhythmische Kraft und Dynamik, die mir jedes Mal den Atem raubt und für Gänsehaut sorgt. Einen grossen Nachteil habe ich jedoch feststellen können: die 8 Minuten sind irgendwie viel zu schnell vorbei.
Die Songs der Band kommen übrigens ohne tiefgründige Texte aus, der Gesang von Jakob Hemström ist überdies sehr zurückhaltend und könnte eher als ein weiteres Instrument bezeichnet werden. So besteht der Text von "A Handful of Dust" ausschließlich aus 4 mal "Somewhere, show me Adam, show me Adam, show me where". Eigentlich mag ich keine Eintönigkeit aber zum einen drängt sich der Gesang wie schon erwähnt nicht in den Vordergrund und zum anderen ist die Musik der Band dermaßen perfekt-komplett, dass sie auch rein instrumental ein Ohrenschmaus wäre.
Abschließend ein Zitat eines begeisterten Amazon-Rezensenten:

Oh Hiroshima ist Postrock aus dem obersten Regal.

So schaut's aus, dem kann ich mich nur vollumfänglich anschliessen.

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Paolo Nutini: Iron Sky

Fri, 12 Jun 2020 22:33:57 +0200

Episch-packende Ballade über die Freiheit - ein Lied an die Menschlichkeit

Paolo Nutini ist ein Sänger und Songwriter italienischer Abstammung aus dem schottischen Paisley und wurde 2006 im zarten Alter von 19 Jahren sowohl in Großbritannien als auch in Deutschland und in der Schweiz mit dem Hit "Last Request" bekannt. Ein Jahr später folgte bereits das etwas erfolgreichere "Jenny Don't Be Hasty" (2 Wochen länger in den deutschen Charts). So richtig Notiz nahm ich damals nicht von ihm, obwohl man zumindest bei seinem ersten Hit eine Ahnung davon haben konnte, wie einmalig Nutinis Stimme ist. Aber diese Songs waren eben "nur" gut gelaunte Liebes-Ohrwurmlieder, die sich zwar recht schnell ins Ohr eingraben aber auch genauso schnell wieder ins Mainstream-Nirvana entschwinden, da kann die Stimme noch so toll sein.
Ganz anders kam dagegen sein 2014 veröffentlichtes, drittes Album Caustic Love und hier im Speziellen die Single "Iron Sky" daher, die übrigens ausschließlich in den britischen Charts für ein paar Wochen Einzug fand. Die radiokonformen Liebeslieder, die sich irgendwo zwischen Indie und Pop bewegten, sind erstmals einem lebhaften R&B- bzw. Soulgroove gewichen. Nach einem ruhigen Anfang, bei dem Nutinis einmalige Stimme bereits die eine oder andere Gänsehaut hinterlässt, schraubt sich der Song allmählich zu trompeten- und saxophongeschwängerten Höhen auf. Ein weiterer wichtiger Bestandteil ist der Songtext, denn dieses Lied ist ein tiefgründiger Einblick in unsere moderne Welt. Mit der gefühlvollen Eleganz eines modernen Percy Sledge läßt Nutini den Zuhörer erkennen, dass die Menschen eine Chance haben, friedliche Veränderungen in jeden Zentimeter dieses Planeten zu bringen. Voller Inbrunst und Leidenschaft beschwört er die Überwindung von Hass, Angst und gar der Liebe, um Freiheit zu erlangen:

Und wir werden uns erheben
über die Liebe
über den Hass
durch diesen eisernen Himmel,
der schnell zu unserem Denken wird
Über die Angst in die Freiheit

Paolo Nutini (aus dem Englischen übersetzt von muenic)

Der Italoschotte verstärkt und unterstreicht seine leidenschaftlich vorgetragene Botschaft durch ein eingespieltes Original-Zitat (allerdings gekürzt und zusammengeschnitten) aus Charlie Chaplins Schlussrede des großartigen Satirefilms "Der große Diktator" - eine zeitlose Rede an die Menschlichkeit:

Denen, die mich hören können, sage ich: verzweifelt nicht
Das Elend, das jetzt auf uns zukommt, ist nur das Ende der Gier,
die Verbitterung der Menschen, die den menschlichen Fortschritt fürchten.
Der Hass der Menschen wird verschwinden und Diktatoren werden sterben
und die Macht, die sie dem Volk genommen haben, wird dem Volk zurückgegeben werden.
Und solange Menschen sterben, wird die Freiheit niemals zugrunde gehen.
Gebt euch nicht diesen widernatürlichen Menschen hin,
Maschinen-Menschen mit Maschinen-Verstand und Maschinen-Herzen!
Ihr seid keine Maschinen, Ihr seid kein Vieh, Ihr seid Menschen!
Ihr, das Volk, habt die Macht, dieses Leben frei und schön zu machen,
aus diesem Leben ein wunderbares Abenteuer zu machen.
Lasst uns diese Macht nutzen!
Lasst uns alle zusammenhalten!

Charlie Chaplin (aus dem Englischen übersetzt von muenic)

Der Regisseur Daniel Wolfe drehte einen 9-minütigen Kurzfilm für "Iron Sky" und ließ sich dabei von der Rede Charlie Chaplins inspirieren. Das Video ist ein eindringlich dystopischer Blick auf diejenigen, die von der Gesellschaft abgelehnt werden - im Kern konzentriert sich der Film nämlich auf eine kleine Stadt mit dem ernsten Problem der Drogenabhängigkeit. Das hier zu sehende, recht unheimliche Video stimmt perfekt mit der ergreifend schönen Natur des Liedes überein und komplettiert es gewissermaßen.
Hinweis: nicht verzagen, der Filmanfang ist tatsächlich pfeifend-tonlos.
Wem dieses Video zu speziell ist, kann sich alternativ auch die gelungene Live-Aufnahme in den Abbey Road Studios ansehen.

muenics Fazit: "Iron Sky" könnte in unserer gegenwärtigen Welt des Hasses und der Zerstörung relevanter und aktueller nicht sein. Wann widerstehen wir endlich der Taktik des "divide et impera" (teile und herrsche), die uns lahmlegt und uns die Menschlichkeit raubt?

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City: Am Fenster

Sun, 03 May 2020 03:27:55 +0200

Kreative Gedichtvertonung oder: ein grandioser Klassiker der DDR-Rockmusik

Als die Ost-Berliner Band City 1974 ihren späteren Hit "Am Fenster" komponierte, war die Verfasserin dieser Zeilen noch nicht geboren - ja, noch nicht mal in Planung. 1977 hat es dann nach dem persönlichen Einsatz eines westdeutschen Musikproduzenten die damalige DDR begeistert und ein Jahr später auch die Bundesrepublik. Dieses Lied war unglaublich erfolgreich, 1978 sogar bis nach Griechenland und später weltweit, insgesamt wurden 10 Millionen (!) Tonträger verkauft; inzwischen wurde es freilich schon zigfach gecovert. Die Originalversion hat es laut meinen Recherchen trotz des Erfolges nicht in die deutschen Charts geschafft. Das liegt wahrscheinlich daran, dass "Am Fenster" in jeder Hinsicht den damaligen wie heutigen Mainstream verfehlt: es gibt keinen klassischen Refrain, es ist knapp sieben Minuten lang und es ist musikalisch wie textlich keine "seichte" Unterhaltung, woran sich seinerzeit das ostdeutsche Plattenlabel Amiga störte und das gute Stück deswegen zunächst nicht veröffentlichen wollte.
Das Lied lief mir erst vor ca. 20 Jahren durch Zufall in der Urversion* über die Ohren und ich war sofort begeistert ob der musikalischen Kreativität und des lyrischen Textes, der von dem Gedicht "Am Fenster" der Leipziger Schriftstellerin Hildegard Maria Rauchfuß stammt. Der Text ist sehr mystisch-melanchonisch und wirkt in der ersten Strophe ziemlich farbenreich (Nacht, Farbenschmelz, Kerzenschimmer, Grau des Morgens), was nach alter lyrischer Tradition ein Spiegel des Inneren darstellt. Die dritte Strophe hingegen ist geprägt von Sehnsuchtsbildern ohne konkret zu werden - dies war bei den ostdeutschen Gruppen an der Tagesordnung, denn man musste die DDR-Zensur umgehen. Aber wie das in der Lyrik so ist: Andeutungen sind schöner und lassen viel mehr Raum für Interpretationen. So kann man den Text dahingehend interpretieren, dass es sich um einem Menschen auf der Innenseite eines Fensters handelt, der sich nach bleibender, tief fühlender Liebe sehnt oder aber dass es eine versteckte Regimekritik beinhaltet, da der Wunsch nach Freiheit besungen wird ("Klagt ein Vogel, acht auf mein Gefieder. Nässt der Regen, flieg ich durch die Welt."). Letzteres ist meiner Meinung nach wahrscheinlicher.
Neben dem Text spielt das folkloristische und ausgezeichnete Geigenspiel von dem aus Bulgarien stammenden City-Bassisten Georgi Gogow eine entscheidende Rolle. Die Basis des Songs ist zunächst frei-rhythmisch und die Geige improvisiert dazu gekonnt mit Melodiefloskeln, die aus der bulgarischen Folklore stammen. Man hört deutlich, dass Georgi ein ausgebildeter Geiger ist, der zugleich die Jazz-Geige beherrscht. Ein weiteres Jazz-Element sind die improvisierten Scat-Silben, die als zweite Strophe vom City-Sänger Toni Krahl mit seiner rauhen Stimme eingesetzt werden und sich mit Georgi ein perfekt arrangiertes, kurzweiliges Scat-Geigen-Duett liefert. Das danach einsetzende, zweieinhalb-minütige Geigensolo ist einfach nur... nun, ich sag's mal, wie es ist: genial. Es verleiht dem Song erst seinen Biss und Drive. Bis auf den Beat, der hörbar aus den siebziger Jahren stammt, ist dieses Lied zeitlos und handwerklich professionell gemacht. Für mich ist es zurecht ein erfolgreicher Klassiker, der - wenn man den Youtube-Kommentaren glauben darf - auch heute noch sogar junge Menschen begeistert.
Übrigens: 2015 wurde "Am Fenster" von der immer noch aktiven Band neu aufgenommen. Nun, ich kenne die Urversion seit Jahren und kann der aktuellen Version nicht viel abgewinnen, zumal hier das oben erwähnte Geigensolo fehlt, das für mich einfach dazugehört. Aber lass Dich nicht von meiner Meinung abschrecken und mach Dir einfach selbst ein Bild.

Es gibt noch ein vierminütiges "Radio-Edit" sowie eine Extended-Version von gut 17 Minuten Länge. Letztere diente aufgrund der damals mangelnden Anzahl an weiteren Songs als "Album-Füller".

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Airbag: Killer

Sat, 02 May 2020 18:04:58 +0200

Floydeskes und unaufgeregtes Meisterwerk des Progressive Rock aus Norwegen

Die norwegischen Progressive-Rocker Airbag sind allgemein noch relativ unbekannt, dabei haben sie 2016 ihr viertes Album "Disconnected" veröffentlicht und ihr fünftes Album steht derzeit in den Startlöchern. Ihre Musik gefällt mir fast ausnahmslos sehr gut, denn sie machen einen durchweg ausgeglichenen und manchmal auch epischen Prog-Rock, der einen die Welt um sich herum vergessen lässt. Die Band hat zwar durchaus ihren eigenen Stil, der von Musikexperten auch als "Artrock" bezeichnet wird aber häufig erkennt man sehr deutlich Stilelemente von Pink Floyd oder auch Steven Wilson, die sie gekonnt einsetzen. Laut ihrer Biographie haben sie in früheren Zeiten in einer Pink-Floyd-Coverband gespielt - das erklärt freilich einiges. Alle bisherigen, selbst produzierten Alben warten mit Songs auf, die einfach meisterhaft interpretiert und produziert sind und ich tat mich schwer, das erste Lied für den Blog auszuwählen. Letztendlich entschied ich mich für "Killer" aus dem o.g. Album, das zwar nur aus sechs Songs besteht aber dennoch auf 50 Minuten Länge kommt. Unter sieben Minuten Songlänge geht bei Airbag anscheinend nichts - ihre gut durchdachten Songs brauchen eben Zeit, sich zu entfalten. Langweilig wird es jedenfalls trotz der ruhigen Grundstimmung definitiv nicht.
Thematisch befasst sich "Disconnected" mit der Entfremdung des Einzelnen von der Gesellschaft, den Erwartungen der Gesellschaft an jeden Einzelnen und dem Unvermögen, sie zu erfüllen. Mit "Killer" geht die Band noch einen Schritt weiter, denn hier wird ein Mörder im übertragenen Sinne thematisiert. Zum tieferen Sinn des Songtextes sagte der Airbag-Gitarrist Bjørn Riis: "Ich hatte diese Idee von diesem skrupellosen Geschäftsmann, der alle benutzt, um erfolgreich zu sein. In etwa so, als ob Bateman aus American Psycho auf Gordon Gekko aus Wall Street trifft - er hat keine Verbindung zu den Regeln der Gesellschaft." ...und ist somit "disconnected".
So lautet beispielsweise ein Teil des Songtextes:

Aber ich bin nur wegen dem Trip hier,
ich bin wegen des Spaßes hier
Und ich werde alle töten, wenn es sein muss
Was auch immer nötig ist, um an der Spitze zu bleiben

Airbag (aus dem Englischen übersetzt von muenic)

Rein musikalisch ist "Killer" einfach nur grandios - in gut neun Minuten bekommt man einen floydesken Rhythmus geboten, der mit floydesken Gitarrenriffs und -solos den Gesang des Airbag-Frontmanns Asle Tostrup gekonnt einrahmt. Das Stück ist mit vielen klanglichen Finessen gespickt und sehr detailreich, ohne dabei zu verspielt zu wirken. Im Gegenteil, in meinen Ohren passt alles hervorragend zusammen. Wenn man die anderen Songs von Airbag kennt, merkt man, dass hier ein größerer Fokus auf dem Schlagzeug, anderen Gitarrenrhythmen und elektronischen Elementen liegt - das mindert die Qualität der anderen Werke keinesfalls, "Killer" ist einfach nur "anders" und obendrein besonders floydesk. Meinerseits eine klare Hörempfehlung!

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Donnie Munro: The Weaver of Grass

Sun, 26 Apr 2020 13:12:03 +0200

Mitreissender Ohrwurm über die Seelenwelt einer aussergewöhnlichen Persönlichkeit - mit deutscher Übersetzung

Donnie Munro, der ehemalige Sänger der schottischen Band Runrig macht seit 1999 auch ganz hervorragende Solo-Musik. Mit hervorragend sind dreierlei Eigenschaften gemeint: sein Händchen für schöne Melodien, seine klare, ausdrucksstarke Stimme und nicht zuletzt sein Songwriting, welches oftmals sehr metaphorisch ist und von Dingen oder Personen handelt, die ihm am Herzen liegen. So ist dann auch "The Weaver of Grass", das 2002 auf seinem dritten Solo-Album "Across The City And The World" erschien, eine sehr gelungene Kombination oben genannter Eigenschaften. Der Song ist rein melodisch-musikalisch einfach nur mitreissend und treibend; er hat Ohrwurmqualitäten, ohne auf Dauer zu nerven und ist meiner Meinung nach nahezu perfekt arrangiert und produziert. Denn es dominieren akustische Gitarren und ein schnelles, weiches Schlagzeugspiel, welche in abgestimmter Harmonie mit Donnies Gesang diesen rhythmischen Song zu einem Gute-Laune-Stück machen.
Der Songtext jedoch ist bei genauerer Betrachtung eher von trauriger Natur. Donnie schafft es, uns ganz ohne Pathos eine Geschichte zu erzählen. Es ist die Geschichte über die verletzte Seele von Angus McPhee, der auf South Uist in ärmlichen Verhältnissen aufwuchs und als Kind die vor Ort übliche Fähigkeit erlernte, aus Gras Seile zu weben. Als McPhee ab 1940 beim Lovat Scouts Regiment auf den Faröern diente, wurde er vermutlich auf Grund der Kriegserlebnisse psychisch krank. Nachdem er zu seiner Familie zurückkehrte, wurde sein Verhalten unberechenbar und für seine Familie schwer zu ertragen. Er wurde in das Craig Dunain Hospital in der Nähe von Inverness eingeliefert und verbrachte dort die nächsten 50 Jahre seines Lebens praktisch ohne zu sprechen (selektiver Mutismus). Wenn Angus nicht auf der Farm des Krankenhauses arbeitete, webte er Seile, Kleidungsstücke, Schuhe und Behälter aus Gras, Buchenblättern und Schafswollstücken. Seine Werke pflegte er stets unter Büschen zu verstecken. 1996 wurde das Krankenhaus geschlossen und McPhee wurde in ein Pflegeheim auf Uist gebracht, wo er 1997 starb.
In ihrem Buch "Angus McPhee, Weaver of Grass" beschreibt die Kunsttherapeutin Joyce Laing ihre erste Begegnung mit Angus und seiner Kunst. Er war ein gutaussehender Mann, über zwei Meter groß. In grauem Krankenhausgewand trug er eine Graskappe auf dem Kopf, einen Wollschal und ein Wolltaschentuch mit einem spitzen Dreieck in seiner oberen Jackentasche - die Anmut eines Gentlemans. Angus sprach nie über den Zweck oder die Bedeutung seiner Webereien und sah teilnahmslos zu, wie die Krankenhausgärtner sie jedes Jahr einsammelten und mit dem Herbstlaub verbrannten. Die verbliebenen Fragmente seines Schaffens haben eine Schönheit und eine Kraft, die ihre Zerbrechlichkeit in Abrede stellt und diesem stillen Mann eine beredte, wenn auch rätselhafte Stimme verleiht. Die Graswebereien von Angus McPhee sind heute in diversen Kunstsammlungen zu sehen, u.a. in der "Scottish Collection of Art Extraordinary", Pittenweem.
Auch ohne das Wissen um die tiefere Bedeutung des Songtextes war und ist "The Weaver of Grass" mein Lieblingslied von Donnie. Ich habe mir die Mühe gemacht, den Songtext zu übersetzen, damit man beim Lauschen einen besseren Bezug zu der oben erwähnten Geschichte herstellen kann:

Sie haben ihn von einem anderen Ort hierher gebracht,
wo sich die süßen Winde des Machair auf das Gesicht legen
Stille Unruhe blitzt in seinen Augen auf
Eine Welt im Wandel, ein aufgewühltes Herz
Die Freiheit des Geistes von Anfang an gebrochen
und die Jugend für immer in Europas Lügen verloren

Der Grasweber kommt nach Hause

Die Hülle eines jungen Mannes mit der Hoffnung eines alten Mannes
Die schmerzhafte Reise, das Drehen des Seils
ist für immer an Kindheitsträume gefesselt
Die Lovat-Tage gehören nun der Vergangenheit an
Der hochmütige Stolz, der nie von Dauer sein sollte
in einer kriegerischen Welt, in der Frauen seufzen

Der Grasweber kommt nach Hause

Der Wind weht kalt auf den Feldern der Black Isle
Diese stille Welt, in der er berührt, was er fühlen kann
für immer an dieser äusseren Grenze gefesselt
Der verdunkelte Raum, eine Nacht voller Seufzer
eine Welt definiert durch reglementierte Denkweisen
Für die farbenfrohen Nächte eines Himmels über Uist

Der Grasweber kommt nach Hause

Die Hände drehen immer noch ein verzweifeltes Geflecht
auf der Suche nach der Freiheit der weiten Felder
wo die heilende Wirkung der Natur ihren Platz hat
Neben dem Galgenbaum und am umgewehten Zaun
drehten sich seine finsteren Augen zur Verteidigung nach innen
in eine Welt, von der er immer nur träumen konnte

Der Grasweber kommt nach Hause

Die Straße nach Hause, das vertraute Ufer
der Ruf des Kiebitz, der für immer rufen wird
vorbei an einer Reihe von Menschen, von denen er dachte, dass es sie nicht mehr gibt
Und in diesem Treiben einer unveränderten Welt
wurden seine Werke im Laufe seines Lebens immer stärker
So spät kamen wir, um ihn in seinem ganzen Stolz zu sehen

Der Grasweber kommt nach Hause

Donnie Munro (aus dem Englischen übersetzt von muenic)

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Tori Amos: Reindeer King

Mon, 20 Apr 2020 04:26:22 +0200

Eine wunderschöne Ausnahme-Ballade - definitiv kein Weihnachtslied und auch im Sommer hörbar

Die US-Amerikanerin Tori Amos ist eine der erfolgreichsten und zugleich polarisierendsten "Popart"-Künstlerinnen unserer Zeit. Sie ist aber eher in den USA bekannt und erfolgreich, denn von ihren bisher 19 Singles hatte sie in Deutschland nur mit dreien einen mäßigen Erfolg in den Neunziger Jahren erzielt, darunter ihr in Deutschland bekanntester Song "Professional Widow" (1997). Mit ihrem im Jahr 2017 veröffentlichten 15. Studioalbum "Native Invader" widmet sie sich konzeptionell der Natur und "ergründet klanglich sowie bildlich, wie die Natur mit ihren entgegengesetzten Kräften neues Leben erschafft und durch die Zyklen von Tod und Neugeburt vollständige Erholung herbeiführt. Sie kann sich immer wieder erneuern – steckt diese Fähigkeit auch in uns?" fragt Tori Amos in einem Interview und hat somit den tieferen Sinn des Albums erklärt.

Thematisch mag sich das Album durchaus vom Einheitsbrei der Musiklandschaft abheben, melodisch-musikalisch hat mich jedoch nur der erste Song "Reindeer King" so richtig begeistert - allerdings erst nach mehrmaligem Hören, dafür ist er umso mehr einer meiner Lieblingssongs geworden. Denn neben ihrem virtuosen, teils bedrohlich wirkenden Klavierspiel und dem dezenten Syntheziser-Orchester kommt hier ihre Stimme in gut sieben Minuten ausserordentlich gut zur Geltung. Auf die Art habe ich sie noch nie singen gehört; gut, ich bin auch kein erklärter Fan von ihr und kenne daher nur einen Bruchteil ihrer Lieder.
Dieser Song ist übrigens keine fröhliche Weihnachtsmusik über ein rotnasiges Rentier mit Jingle Bells im Hintergrund. Stattdessen ist es eine metaphorische und lyrisch anspruchsvolle Ballade über die mythische Figur des titelgebenden Rentierkönigs, ferner über endloses Eislaufen und - man höre und staune - über die Jupitermonde. Laut eigener Aussage beobachtete Tori nämlich Bilder von der Cassini-Sonde der NASA, die Anfang 2017 zwischen den Saturnringen hin- und herschoss und Bilder von den Ringen und Monden von Jupiter und Saturn nach Hause schickte. Sie erklärte zudem in einem Interview: "Jahrelang hatten mir die Leute von der magischen Atmosphäre erzählt, die entsteht, wenn Gewässer überfrieren und Hunderte von Menschen kilometerweit Schlittschuh laufen." So lautet dann auch der letzte, romantisch anmutende Vers:

Du weißt, dass ich Eislaufen würde,
den ganzen Weg Eislaufen würde,
nur um deine Hand zu halten,
um deinen Schmerz wegzunehmen.
Du weißt, dass ich Eislaufen würde,
von Skandinavien
den ganzen Weg
bis zu den Monden des Jupiters
mit Dir...

Tori Amos (aus dem Englischen übersetzt von muenic)

Dieses Lied kann man sich also trotz einer leicht traurigen Grundstimmung sowohl an einem kalten Winterabend als auch an einem lauen Sommermorgen anhören. Natürlich mit Kopfhörern, denn Gänsehaut ist auf diese Art des Hörgenusses bei jeder Wetterlage garantiert.

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Der Alte Sermon ft. PArts: Die Dinge die ich will

Sat, 04 Apr 2020 20:31:44 +0200

Vom Wollen, Müssen und Sollen - anspruchsvolle Poesie musikalisch gut verpackt

Anfang diesen Jahres hatte mir "Der alte Sermon" das Lied Wenn Schnee fällt seines aktuellen Projekts "Nachbar M Punkt" vorgeschlagen. Da ich mir als alte Musikentdeckerin grundsätzlich auch andere Kreationen mir unbekannter Künstler anhöre, bin ich auf "Die Dinge die ich will" seines älteren, inzwischen nicht mehr existierenden Projekts "Der Alte Sermon ft. PArts" gestoßen.
Das 2012 ausschließlich auf Youtube veröffentlichte Lied gefiel mir auf Anhieb, denn es ist melodisch und musikalisch schön arrangiert mit Gitarre und Akkordeon und stimmlich ist es ebenfalls nicht von schlechten Eltern. Der Hauptgrund für meine Begeisterung ist jedoch der tiefsinnige, schön interpretierte Songtext, denn als selbsternannter Freigeist mit ausgeprägtem Hang zur Lyrik konnte ich mich in diesem wiederfinden. Auf eine poetische Weise werden hier den Dingen, die man muss ("Leistung bringen, den nächsten Sieg erringen") die Dinge gegenübergestellt, die man will. So lautet dann die für mich schönste Textpassage:

Alles hinterfragen
meine Meinung sagen
Zaubern und Fliegen
eine Sekunde lang die Angst besiegen
Träumen ohne Aufzuwachen
Gefühle ohne Schuld
Das sind die Dinge, die ich will

Ohne mich zu sehr aus dem philosophischen Fenster zu lehnen: ist es nicht oftmals so, dass wir alle zu sehr "müssen" und "sollen" anstatt zu "wollen"? Wie sehr ist jeder Einzelne gefangen in diversen, häufig selbst gewählten Zwängen? Wieviel Freiheit gönnt man sich eigentlich selbst? Und wird es überhaupt gesellschaftlich akzeptiert, wenn man sich freischwimmt? Der Song gibt freilich keine Antwort auf diese Fragen (soll er auch nicht) aber er regt zum Nachdenken und obendrein zum Immer-wieder-Anhören an.
Um seinem tieferen Sinn Nachdruck zu verleihen, endet er übrigens treffenderweise mit dem Paradoxon "Du sollst nicht sollen". Und ich gehe soweit zu sagen: das Lied anhören solltest Du Dir aber schon.

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Der Alte Sermon @ Youtube

Charlie Cunningham: You Sigh

Fri, 20 Mar 2020 18:30:47 +0100

Melodisches Storytelling mit Flamenco-Groove und butterweicher Stimme

Der britische Singer-Songwriter Charlie Cunningham wurde spätestens Anfang 2017 mit seinem Debutalbum "Lines" zum Shooting-Star der Streaming-Szene. Zuvor erregte er bereits Aufsehen mit seinen drei EPs; die Charts haben ihn jedoch bis heute nicht entdeckt, dabei hat er inzwischen ein weiteres, ziemlich erfolgreiches Album veröffentlicht. Über eben einen dieser Streamingdienste entdeckte auch ich seine Musik und war sofort Feuer und Flamme. Denn Charlie versteht es wie kein anderer, sein überwiegend leicht verträumtes Storytelling oftmals mit einem spanischen aber nicht zu hektischen Flamenco-Groove auf sehr passende Weise zu verbinden. Hinzu kommt ein Händchen für schöne Melodien und eine butterweiche, sehr klare Stimme, die mich bei manch Oktave an Simon & Garfunkel oder auch Cat Stevens erinnert. Warum eigentlich Flamenco? Charlie lernte während eines zweijährigen Aufenthalts in Sevilla den Flamenco kennen und schätzen. Eine sehr glückliche Fügung, wie ich finde.
Ich habe eine Weile gezögert, welches von den vielen schönen Liedern ich hier zuerst vorstelle und entschied mich für "You Sigh". Denn zum einen wird es von einer sehr schönen Melodie getragen und zum anderen kommt der oben erwähnte Flamenco-Groove richtig gut zum Vorschein, nur begleitet von Percussion, einem Hauch von Elektronik und später sogar mexikanischen Trompetenklängen. Obwohl das Lied eine gewisse Ruhe ausstrahlt, sorgen Percussion und Gitarre über die volle Länge für einen Gute-Laune-Rhythmus und der melodische, klare Gesang lädt zum Mitsingen ein.
Charlie hat auf Grund seines Erfolges bereits diversen Magazinen und bekannten Musikblogs Interviews gegeben - auf die häufig gestellte Frage nach dem Sinn seiner Texte sagte er, was viele Singer-Songwriter sagen: der Hörer soll sich selbst ein Bild machen und seiner Interpretation freien Lauf lassen. So ist es wohl auch bei "You Sigh", denn wenn man sich den Refrain ansieht, dann hat man wahrlich Interpretationsspielraum:

Du seufzst
dass ich so viel hätte sagen können
Aber ich war damals noch nicht bereit
Und ich bin es immer noch nicht

Charlie Cunningham (aus dem Englischen übersetzt von muenic)

Der Songtext besteht bis auf zwei oder drei anderslautende Textzeilen im Prinzip nur aus diesem Refrain und ist somit - im Gegensatz zu vielen seiner anderen Songs - ziemlich textarm. Aber das mindert die Qualität keinesfalls, weniger ist eben manchmal mehr. In diesem Sinne: well done, Señor!

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Kauan: Khurum

Sat, 14 Mar 2020 19:39:27 +0100

Genialer Post-Rock, Ambient- & Doom-Metal der russisch-ukrainischen Band, die gerne auf finnisch singt

Eigentlich müsste ich hier ein 52-minütiges Lied vorstellen, nämlich das komplette Album "Sorni Nai" des russisch-ukrainischen Projekts Kauan. Denn dieses Konzeptalbum ist ein Gesamtkunstwerk und es grenzt an Frevel, sich nur einen Song rauszupicken. Aber nicht jeder hat die Zeit und Muße, sich ein komplettes Album am PC anzuhören und Rezensionen von Alben passen auch gar nicht zum Konzept von muenic.de. Überdies hat das Album für meine empfindlichen Ohren einen Haken (dazu später mehr). Daher werde ich etwas ausführlicher auf Hintergrund und Seele des Albums eingehen und einen weiteren Song grob anreissen. Dieser Kompromiss dürfte den Frevel ein wenig abmildern.

Wie bei jedem Blog-Post recherchiere ich vorher im Netz den dazugehörigen Song, um mit etwaigen Hintergrundinformationen aufwarten zu können. Nachdem ich beschloss, über "Khurum" zu schreiben, begab ich mich auch hier auf die Netzrecherche. So kam ich dank der Webseite von Kauan an die Information, dass ihr Album "Sorni Nai" dem Unglück am Djatlow-Pass gewidmet ist. Bei diesem Unglück kam am 1. Februar 1959 eine Gruppe von neun Skiwanderern im nördlichen Ural-Gebirge der Sowjetunion auf sehr mysteriöse Weise ums Leben. Eigentlich bestand die Gruppe aus zehn Wanderern, ein Teilnehmer erkrankte jedoch kurz nach dem Start und musste umkehren. Die genauen Todesumstände und die Ursache der Tragödie konnten bis heute nicht ermittelt werden, da es keine Zeugen gab und die vorgefundenen Beweise nur noch mehr Fragen aufwarfen. Dementsprechend kursieren seitdem viele, teils abstruse Theorien in Filmen, Büchern und im Internet. Das Thema beschäftigt die Ural-Region bis heute, denn 2019 wurden die Ermittlungen wieder aufgenommen (wer sich in die Geschichte reinlesen möchte: der verlinkte Wikipedia-Artikel ist sehr ausführlich und informativ).
Vier Jahre früher hatte es Kauan beschäftigt, denn im Oktober 2015 haben sie besagtes Album zu dem Thema veröffentlicht, das laut Kauan als ein einziges Musikstück konzipiert wurde und die Band in die Gefilde des musikalischen Geschichtenerzählens bringen sollte. In der Tat, das ist ihnen gelungen, denn die Scheibe führt den Hörer in einer einzigartigen Art und Weise vom unschuldigen, idyllischen Beginn der Wanderung zum vernichtenden, katastrophalen Ende. Auch ohne das Wissen um den Hintergrund des Albums hatte ich an verschiedenen Stellen immer wieder Gänsehautattacken, denn die Band macht ausserordentlich intelligente, atmosphärische und gefühlvolle Musik, die dem Hörer tatsächlich eine Geschichte erzählt.
Kauan begannen 2005 Musik zu machen - erst auch auf russisch, zwei Alben später ausschließlich auf finnisch, weil "die Bedeutung der Sprache, die von so wenigen Menschen gesprochen (und somit verstanden) wird, nicht die Interpretation der Musik beeinflussen soll" (Zitat Kauan-Webseite). Genretechnisch ist ihre Musik extrem schwierig einzuordnen, denn sie ist durchweg stilübergreifend, bewegt sich grösstenteils im Ambient-Bereich, beeinflusst durch Neofolk und Neoklassik und häufig mit gepfefferten Prisen aus dem Doom-Metal und Post-Rock. Ich habe sie neben Ambient und Post-Rock in die Rubrik Metal einsortiert, weil sie auf "Sorni Nai" sehr oft Metal-Gitarrenriffs und -Schlagzeug einsetzten (ob Doom-Metal oder nicht: für mich ist es Metal). Allerdings sei an dieser Stelle betont, dass es nie hektisches oder zusammenhangloses Geschrammel sondern immer sehr melodisch ist, oftmals begleitet von Klavier und Violine oder Cello.
Einige Songs von "Sorni Nai" gefallen mir gut (Akva, Kit, Nila) bis sehr gut (At, Khurum). Man spürt über das gesamte Album eine gewisse Melanchonie und Dramatik, die zum Ende hin zunimmt. Ganz besonders ist mir "Khurum" aufgefallen, das gemächlich und beruhigend-verträumt beginnt mit Gesang, akustischer Gitarre, Violine, Keyboard und Synthesizer - hier und da ist auch eine Harfe zu hören und es setzt ein schönes, langsames Gitarrensolo ein. Nach ungefähr der Hälfte des Liedes eine für dieses Album typische Klavierpause und dann: Klangexplosion! Gänsehaut! Ein kongeniales Zusammenspiel von bombastischem Schlagzeug, Metalriffs und Synthesizer (der von einem Ohr zum anderen wandert) läßt mich spätestens dann die Lautstärke aufdrehen. Dann folgt wieder eine spannungsaufbauende Klavierpause und ein leicht dusteres Ende mit sonorem Gesang ist die Folge, bei dem das Klavier abermals die melodisch treibende Kraft ist. Dieses Lied habe ich mir schon gefühlte 200 mal angehört; an diesen Stellen stehen mir immer wieder die Nackenhaare zu Berge.
Ich konnte es übrigens nicht lassen und habe mir den Songtext von "Khurum" näher angesehen. Das Lied thematisiert neben Schneesturm und Kälte auch den oben erwähnten zehnten Teilnehmer, den einzigen Überlebenden. So lautet der erste Vers:

Einer von zehn
wird krank und geht nicht weiter
Ein schneller Abschied
und die Wege trennen sich

Kauan (aus dem Finnischen übersetzt von muenic)

Gleich danach gefällt mir wie schon erwähnt "At" ebenfalls sehr gut. Auch hier Gänsehautgarantie beim immer wieder einsetzenden Gitarrensolo, das nur von diversen Streichinstrumenten und Klaviereinlagen unterbrochen und später von Metalriffs inklusive wuchtigem Schlagzeugspiel abgelöst wird. Das ganze Album ist gerprägt von Rhythmus- und Stilwechseln dieser Art und erzeugt somit eine Berg- und Talfahrt der Gefühle - von leicht beschwingt bis zu einer tiefen Melanchonie (wenn nicht sogar Traurigkeit) ist alles dabei.

Und nun zum eingangs erwähnten Haken: das Einzige, was mir an dem Album nicht gefällt, ist der agressive Death-Metal-Gesang, der hin und wieder zum Einsatz kommt. Ich habe es versucht aber ich kann mich einfach nicht daran gewöhnen. Die Band hat ihn mit Sicherheit als Stilmittel eingesetzt, um die Dramatik zu unterstreichen (und auf früheren Alben ist er auch zu hören) aber für meinen Geschmack mindert er die Qualität der dramatisch schönen Klangwände in den letzten beiden Songs "Khot" und "Sat". Wenn das Gebrüll nicht wäre, würde ich "Sorni Nai" als das beste Konzeptalbum bezeichnen, was mir seit langem über den Plattenteller gelaufen ist.

Update 17.03.21:
Dankenswerterweise hat sich das Magazin multipolar mit dem Unglück am Djatlow-Pass beschäftigt und einen gut recherchierten, schlüssigen Bericht über den möglichen Grund des "Unglücks" veröffentlicht. Lesenswert!

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Dirk Maassen: Avalanche

Sat, 29 Feb 2020 21:10:11 +0100

Ein herzzerreißend schönes Klavierstück mit ebenso schöner orchestraler Unterstützung

Vor ungefähr einem Jahr entdeckte ich die Musik von Dirk Maassen, einem deutschen Komponisten und Pianisten im Bereich Neoklassik bzw. Solo-Piano. Und dann war es auch noch sein für mich schönstes Pianostück "Avalanche" von seinem gleichnamigen Album, das im Sommer 2018 erschien. Ich war einfach nur hin und weg, zutiefst ergriffen und berührt - so sehr, dass mir die Tränen in die Augen schossen (beim Anhören über Kopfhörer, versteht sich). Und nein, es ist kein Trauerlied. Dirk Maassen versteht es lediglich, zum einen ganz hervorragend zu komponieren und zum anderen seine Kompositionen mit sehr viel Gefühl und einem einzigartigen Timing auf die Klaviertasten zu bringen. Seine Musik im Allgemeinen verfügt über eine innere Schönheit, die den Hörer in seinen Bann zieht und ganz in der Musik versinken lässt. Bei Avalanche hat er zudem unüberhörbar die Unterstützung von keinem geringeren als Lorenz Dangel (2012 Deutscher Filmpreisträger für die beste Filmmusik), der für das Orchesterarrangement und die Leitung verantwortlich war und dem Filmorchester Babelsberg.
Das Titellied beginnt zunächst zögerlich, mäandernd, fast ein wenig ziellos; wer sich das gute Stück zum ersten Mal anhört, ahnt gar nicht, wohin die Klangreise gehen wird. Nach fast eineinhalb Minuten geht es in die Gefühlsebene über und die Reise geht in melodischen Bahnen weiter. Denn nun setzt ein leises Streichorchester ein und das Klavierspiel entwickelt eine traumhaft zarte Melodie, die sich peu à peu und ohne jede Hast in einer herzzerreißend schönen Symbiose mit dem Orchester zu einem Höhenflug mit Gänsehautgarantie aufschwingt. Avalanche berührt vor allem im episch angehauchten letzten Drittel ganz massiv Herz und Seele, meiner bescheidenen Meinung nach ist es in jeder Hinsicht ein Meisterwerk. Lediglich ein kleines Manko konnte ich feststellen: das gute Stück ist um die 30 Minuten zu kurz, denn bei mir läuft es immer wieder mindestens ebenso lange in einer Endlosschleife.

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Nachbar M Punkt: Wenn Schnee fällt

Thu, 27 Feb 2020 21:11:55 +0100

Deutsche Singer-Songwriter-Chill-Musik über die selten gewordene Substanz namens Schnee

Ende Januar diesen Jahres erreichte mich der erste Song-Vorschlag, der nach dem ersten Anhören in der Schublade "gut, ok - ist mal was anderes" landete. Der geneigte Leser ahnt: das bedeutet im Prinzip nichts anderes wie "ist ganz nett" und jeder weiss, was das wiederum bedeutet. Denn rein musikalisch hat mich "Wenn Schnee fällt" von Nachbar M Punkt erstmal nicht vom Hocker gerissen. Das mag daran liegen, dass ich musiktechnisch schrecklich verwöhnt bin. Aber manches muss man sich öfter anhören, bis es einen erreicht. Dazu braucht es freilich Zeit. Und was hat der moderne Mensch oftmals nicht? Richtig, Zeit und die nötige Muße. Da es aktuell in Köln maximal für Schneeregen reicht, habe ich mir einfach die Zeit genommen und das Schneelied sowie weitere Kreationen des symphatischen Duos aus Karlsruhe auf mich wirken lassen. Die oben erwähnte Schublade ist inzwischen dem Label "unbedingt anhören" gewichen, denn die Texte und Melodien stehen für sich und brauchen keine Klangwand drumherum. Für die Liedtexte bedient sich Nachbar M Punkt übrigens gerne auch mal bei Nietzsche. Man merkt, dass die beiden Musik aus Spaß an der Freud' machen - das bestätigen auch die selbst produzierten Musikvideos, welche mit einer guten Portion Kreativität und Humor bestückt sind.
Laut dem Duo ist "Wenn Schnee fällt" u.a. auch die persönliche Kompensation des Umstands, dass seit Jahren kein richtiger Winter mehr stattfinden möchte. Also ist dieses Lied ein klimapolitischer Protestsong auf Chillbasis? Möglich ist das. Bleibt nur zu hoffen, dass das Klima und vor allem die Politik das Liedchen mal zu hören bekommt und entsprechend umdenkt. Denn man vermisst sie schon, die Schneeflocken, "keine gleicht der anderen, jede einzelne eine eigene Welt". In diesem Sinne: möge der Schnee fallen.

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Nachbar M Punkt bzw. Der Alte Sermon @ Youtube

Michel Sardou: Espérer

Tue, 25 Feb 2020 07:42:03 +0100

Esperer = kraftvolles Lied über die Hoffnung und mit einer klaren Botschaft - mit deutscher Übersetzung

Bis vor wenigen Wochen war mir der altgediente Meister der französischen Musik namens Michel Sardou völlig unbekannt. Ebenso erging es den deutschen Charts, denn nicht eines seiner 300 Lieder hat in Deutschland den Mainstream erreicht. Das ist schon ein wenig überraschend, denn Michel Sardou ist neben Johnny Hallyday der bekannteste Chansonnier Frankreichs. Er ist zudem der umstrittenste Sänger in unserem Nachbarland, denn seine Liedtexte haben nicht nur Liebe und Herzschmerz zum Thema, sondern sind auch oft gesellschaftspolitisch und passen nicht in jedes Weltbild. So ist dann auch eines seiner bekanntesten Lieder "Les lacs du Connemara", das vom Freiheitskampf der Iren gegen England handelt.
Meine liebe Kollegin Marie-Hélène hat mich auf den Mann mit der facettenreichen Stimme aufmerksam gemacht, denn als Französin kennt sie seine Musik freilich schon länger. Nachdem ich mir "L'album de sa vie 100 titres" (5 CDs mit seinen 100 besten Liedern) angehört hatte, haben mich einige Songs bezüglich Melodie und Stimmgewalt beeindruckt um nicht zu sagen: fasziniert. Vor allem aber "Espérer" hatte es mir angetan. Zumal meine Kollegin und ihre Tochter Manijé den Songtext freundlicherweise übersetzt haben; das Wissen um die Bedeutung lässt das Lied gleich in einem anderen Licht erstrahlen.

Espérer erschien 2004 auf dem Album "Du Plaisir" und handelt von der Hoffnung, welche es angesichts vieler positiver Aspekte nicht aufzugeben lohnt. Michel bringt diese Botschaft ganz ohne Pathos rüber - im Gegenteil: bedingt durch seine klare und kraftvolle Stimme beim Refrain veleiht er ihr eher Nachdruck. Man könnte meinen, dass er dem geneigten Zuhörer zurufen will: nun hoffe doch, verdammt nochmal! Begleitet wird er von einem kernigen Schlagzeugspiel, E-Gitarren und einem dezenten Orchester-Arrangement und jedes Mal, wenn er beinahe in Tenor-Manier zum Espéreeeeeer ansetzt, ist die Gänsehaut garantiert (auch hier wieder meine Empfehlung: Kopfhörer aufsetzen!). Insgesamt ist es ein sehr schön arrangiertes, kurzweiliges Lied, das keine Wünsche offen lässt.
Michel Sardou hat den Text zusammen mit seinem Sohn Davy geschrieben. Den französischen Originaltext veröffentliche ich nicht, den kann man sich im Internet zu Hauf ansehen. Hier veröffentliche ich jedoch gerne die deutsche Übersetzung, mit freundlicher Genehmigung meiner Kollegin Marie-Hélène und ihrer Tochter Manijé (welche eigens für diesen Beitrag die passende Animation erstellt hat). Herzlichen Dank nochmal an dieser Stelle!

Wenn du dich von all den anderen,
die an Tarotkarten oder an Gott glauben, unterscheidest.
Der Horizont ist nicht weit, Du wirst sein Ende sehen.
Es wird Dir besser gehen.

Wenn die Welt nicht dahin geht, wo Du hingehst.
Wenn das Leben nicht das ist, was es zu sein scheint.
Wenn du nirgendwo hingehen kannst, wenn es keinen zu lieben gibt,
nur die Nacht vor dir.

Hoffen, weil die Erde schön ist.
Wenn ein Stern erlischt, verdunkelt er nicht den ganzen Himmel.
Hoffen, immer wieder und immer wieder,
bis der Tod müde ist, bis er zögert.

Wenn die Männer Dir Angst machen, Dich zum Schweigen bringen,
weil sie nur Liebe machen ohne zu lieben.
Auch wenn nichts normal ist und alles Unheil bringt.
So ist das Leben, so ist die Hölle.

Hoffen, weil es der Mühe wert ist.
Es ist nicht immer der Hass, es ist auch die Liebe.
Hoffen, weil Du lebst,
auch, wenn Du Dir nicht ausgesucht hast, wo und wann.

Hoffen, weil die Erde schön ist.
Wenn ein Stern erlischt, verdunkelt er nicht den ganzen Himmel.
Hoffen, hoffe mit Deinem Herzen.
Die Antwort ist in Dir, die Frage woanders.
Hoffen
Hoffen

Michel & Davy Sardou (aus dem Französichen übersetzt von Marie-Hélène & Manijé)

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Clannad: Christmas Angels

Tue, 24 Dec 2019 10:28:20 +0100

Ein schönes und ruhiges Weihnachtslied der irischen Familien-Band

Die irische Band Clannad hat ein schönes Weihnachtslied in ihrem umfangreichen Repertoire, das ich mir in der Weihnachtszeit gerne anhöre, da es nicht wie die anderen modernen Weihnachtslieder von den Radiostationen, Kaufhäusern und Supermärkten dieser Welt zu Tode genudelt wurde.
International bekannt geworden ist Clannad in den 1980er Jahren mit der Filmmusik zu Harry's Game und Robin Hood. Seit eben dieser Zeit weiss ich die Musik von Clannad sehr zu schätzen. Denn Moya Brennan - die Stimme von Clannad - hat meiner Meinung nach eine unglaublich schöne, warmherzige und facettenreiche Stimme, die den Liedern von Clannad erst ihren Zauber verleihen. So ist es auch mit "Christmas Angels", das 1997 als Single erschien und sich seitdem immer wieder mal auf den Best-Of-Alben von Clannad wiederfindet. Getragen wird dieses kurzweilige Lied von einem zarten Streichorchester, das vom London Session Orchestra eingespielt wurde. Bis auf den Refrain, der auch Irisch-Gälische Textpassagen enthält, ist Englisch hier die Hauptsprache.
Mehr gibt es hierzu eigentlich nicht mehr zu sagen - einfach selbst anhören, wirken lassen und Weihnachten auch musikalisch geniessen.

In diesem Sinne: Frohe Weihnachten, Merry Christmas & Nollaig Shona

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Roxette: Love Is All (Shine Your Light on Me)

Tue, 10 Dec 2019 20:55:53 +0100

Eine großartige Musikerin ist von uns gegangen, ihr Licht scheint weiter - ein Nachruf auf Marie Fredriksson

Die Nachricht kam unerwartet und hat mich ziemlich hart getroffen: Marie Fredriksson von Roxette ist tot. Ich gebe zu: ich habe geweint. Es kommt mir so vor, als ob eine Freundin gestorben wäre, denn die Musik von Roxette war DIE Musik meiner Kindheit und Jugend; unglaublich viele Erinnerungen verbinde ich mit der Musik von Roxette. Während damals alle Mädels die Boygroups mit den mehr oder weniger hübschen Jungs anhimmelten, hatte mich die glasklare, kraftvolle Stimme von Marie Fredriksson und das eingängige Song-Writing von Per Gessle gepackt. Roxette war die erste Band, deren Fan ich war. So kaufte ich mir im zarten Alter von 14 Jahren meine allererste Schallplatte: "Joyride" von Roxette. Die Scheibe hat heute noch einen Hochkant-Ehrenplatz im Wohnzimmerregal. Die beiden älteren Roxette-Alben "Pearls of Passion" und "Look Sharp!" folgten gleich darauf und auch später habe ich mir so ziemlich jedes Studio-Album zugelegt.

Und Konzerte - ja, die mussten freilich auch sein. 2002 hatte ich erfahren, dass Roxette bei "Night of the Proms" auftreten würde und besorgte extra deswegen Karten. Diese tolle Stimme begleitet von einem renommierten Orchester - das gibt es nur einmal. Kurz darauf wurde bekannt, dass Marie an einem Hirntumor erkrankt sei und der Auftritt verständlicherweise abgesagt werden musste. Nach einiger Zeit hieß es, die Krankeit sei überwunden, was mich sehr für Marie freute. Im Jahr 2009 holten die beiden symphatischen Schweden den Auftritt bei "Night of the Proms" nach. Als Fan merkte man schon dort, dass der einstigen Powerfrau die Krankheit ziemlich zugesetzt hatte und beim ersten Konzert der Tour zum 30-jährigen Bandjubiläum am 24. Juni 2015 in Köln saß Marie das komplette Konzert über auf einem Barhocker. Man spürte: es geht ihr nicht gut. Man spürte aber auch: das Feedback des Publikums schien Marie gut zu tun, denn sie sah glücklich aus, wenn die Fans ihr zujubelten und die Hits aus voller Kehle mitsangen. Musik war ihr Leben und sie brauchte die Live-Auftritte wie die Luft zum Atmen, sonst hätte sie sich die Tourstrapazen nicht angetan. Eine für 2016 geplante Tour wurde auf Anraten ihrer Ärzte abgesagt und gestern hat nach 17 Jahren leider die Krankheit gesiegt.

Als ich die traurige Nachricht erfuhr, hatte ich nicht nur Tränen in den Augen, sondern auch sofort "Love Is All (Shine Your Light on Me)" vom 1994 erschienenem Album "Crash! Boom! Bang!" im Ohr. Dieses Lied zählt zu meinen Lieblingsliedern von Roxette, zudem wurde es nie als Single veröffentlicht und es passt irgendwie zu diesem Nachruf. Ich habe ganz bewusst die Live-Version als Nachrufsvideo ausgesucht, obwohl die Studio-Version hervorragend produziert wurde. Denn hier sieht man, wieviel (Lebens-)Freude Marie beim Singen ausstrahlte, selbst bei einer Ballade; "es muss Liebe gewesen sein".

Dein Licht scheint weiter. Mach's gut Marie

Ghostly Kisses: Héloïse

Mon, 28 Oct 2019 22:54:04 +0100

Heloise = ein nahezu himmlisches Nicht-Liebeslied der »gespenstigen Küsse« aus Kanada

"Ghostly Kisses" alias Margaux Sauvé aus dem kanadischen Quebec hat die einzigartige Gabe einer sehr talentierten, hingehauchten aber dennoch ausserordentlich klaren Stimme. Ich habe gelesen, dass den Musiklehrern ihrer Jugend ihre Stimme zu leise war und sie ihr abgeraten haben, weiterzusingen. Wie gut, dass sie nicht auf die Lehrer gehört hat. Laut eigener Aussage ist sie stolz darauf, "anders" zu singen - meiner Meinung nach völlig zu recht!
Denn (auch) die Single "Héloïse" ihrer im November 2018 erschienenen EP "The City Holds My Heart" ist ein wunderschönes Musterbeispiel ihres "Dream-Pop"-Stils, der den geneigten Zuhörer in eine sphärisch-verträumte Klangwelt abtauchen läßt. Außer der beruhigend-schönen Stimme produzieren Klavier und Harfe eine zauberhafte Melodie, die süchtig macht; man kann gar nicht aufhören mit dem Anhören. Sobald die ersten Klaviertöne erklingen, legt sich ein Schalter um und man ist nicht nur in die besagte Klangwelt abgetaucht, sondern auch in freudiger Erwartung, das Lied in voller Länge anzuhören. Neben dem Klavier ist meines Erachtens die Harfe das Salz in der Suppe und verleiht dem Song durch die ein- und durchgängigen "Harfenriffs" einen noch himmlicheren Touch - kurz: nicht nur Melodie, Text und Gesang, sondern auch die Produktion von Heloise gefällt mir ausgesprochen gut.

Abschließend eine Hintergrundinformation zum tieferen Sinn dieses Songs:

For blood reasons
I still believe in us
In some way I want to
...
Héloïse, what has become of us?

Auch wenn der obige Teil des Refrains ein Herzschmerz-Liebeslied vermuten läßt, ist es vielmehr ein Lied über die innige aber komplexe (um nicht zu sagen komplizierte) Beziehung zu einer ihrer Freundinnen, die sie eher als ihre Schwester denn als ihre Freundin betrachtet.

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Devin Townsend: Flight

Sat, 19 Oct 2019 09:02:10 +0200

Devin Townsend & Ché Aimee Dorval - verträumt-sphärische Ballade vom »verrückten Professor des Metal«

Der kanadische Sänger und Gitarrist Devin Townsend ist eigentlich ein leidenschaftlicher (Prog-)Metaler, er macht aber gelegentlich auch gerne Ausflüge in komplett andere musikalische Gefilde. So ist sein im Jahre 2014 erschienenes Konzeptalbum "Casualties of Cool", das er zusammen mit der ebenfalls aus Kanada stammenden Ché Aimee Dorval aufgenommen hat*, genretechnisch hauptsächlich im Folk, Country und ein bisschen Blues beheimatet.
Das Album wirkt mitunter recht experimentell, einen richtigen Zugang finde ich dazu nicht. Die glorreiche Ausnashme ist für mich Lied Nummer 3 "Flight", das sich sehr von den anderen Songs abhebt und eher dem Ambient-Pop-Rock zugeordnet werden kann, denn Country- oder Folk-Elemente sind hier nicht zu erkennen. Es wird vielmehr von Akustik- und Zupfgitarre, Percussion sowie elektronischen Elementen dominiert. Hinzu kommt die sanft-träumerische Soulstimme von Ché Aimee, die - im Vergleich zu den meisten anderen Songs auf dem Album - hier richtig gut zur Geltung kommt. Bedingt durch das sphärische Ambiente und den fast schon epischen aber unaufdringlichen Chorus (der nur von "HevyDevy" gesungen wird), läßt einen dieser Song so richtig schön wegträumen, gedanklich davonfliegen, in die Wohlfühlebene abtauchen...einfach nur schön! Ein Kommentator auf Youtube hat es kurz und knackig auf den Punkt gebracht: das Lied ist um die 80 Minuten zu kurz.
Wer übrigens zwischendurch ein langgezogenes "Ave Maria" vernimmt, hat richtig gehört. Aber keine Sorge, der Song ist ansonsten absolut unreligiös.

Die Combo Townsend/Dorval nennt sich eigentlich wie das Album "Casualties of Cool" aber viele Shops, Datenbanken und Streamingdienste geben "Devin Townsend & Ché Aimee Dorval" als Interpret an.